Bart Vandevijvere paints the present continuous

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Jazz and contemporary classical music give the studio of the artist Bart Vandevijvere an aura of its own. A bass guitar leans against an amplifier; for a moment I imagine myself in a musician’s rehearsal room. The artist does not by any means aim to give a musical performance visual form on canvas. It is the attitude that music-makers adopt while composing that is of much more interest in his creative process: the attainment of an artistic flow in order to arrive at an artistic composition, a multi-layered musical entity. Unlike musicians, Bart Vandevijvere uses numerous layers of paint to create a dynamic artwork. Looking at and discussing his abstract paintings is an intense experience. His canvases are
like arenas where contrasting pictorial elements are continuously locking horns with each other. Present Continuous is a painting that typifies his oeuvre. The title is a grammatical reference and we often recognise this verb tense in his titles. At the same time, the name alludes to the solidified stages which suggest that the creative process is still continuing.

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The seemingly random process of building up and removing gives rise to a lively composition and is one of the artist’s leading strategies. His paintings take shape organically without aiming for a specific visual goal. The main focus is the development of the artwork and this takes place by means of varied formal experiments on the canvas. The material he
uses for each mark on the canvas is a mixture of acrylic paint, water and acrylic medium. Vandevijvere considers the proportions of these ingredients to be of paramount importance. In each layer of paint they influence the drying time and the time available to work one layer into another, and they also determine the texture of the painted surface. The textures look opaque or transparent depending on the composition of the paint mixture. As the number of layers of paint increases, Vandevijvere introduces more and more relief into his work. He keeps a meticulous balance between experiment and aesthetics. In certain parts of the composition, layers of wet or dry paint may be partly or entirely removed. Some areas of paint are scrubbed or soaked in liquid. The way the water runs reveals that Vandevijvere often turns his canvases this way and that. Keeping a concentrated eye on proceedings, the artist encourages fascinating pictorial accidents. The variety of painterly manoeuvers also creates confusion in the viewer, as the stratification of the painting is no longer clear. The point where two layers of paint meet is always interesting. It gives rise to a new, invisible
layer that can only be observed after the layers over it have been washed away. The artist succeeds felicitously in dynamising the final solidified image in the course of several stages of development.

The density of the paintings varies from one work to another. One of the characteristics of Vandevijvere’s oeuvre is the relationship between the number of independent visual elements that arise following a series of visual experiments, and the sense of space consequently experienced by the viewer. When the composition is dominated by geometric motifs that
sometimes feel like architecture, one may observe an optical illusion of depth. At the same time, the viewer may have the feeling that one or more visual elements is being projected in their direction. This optical illusion is usually intensified by the presence of a large geometric form. Both the formation and the position of the planes in the picture area have a huge

influence on the spatial effect. The outlines of the interplay of geometric forms often act as dividing lines between different structures and areas of colour. Vandevijvere describes this group of artworks as ‘full paintings’. By contrast, the ‘frugal paintings’ are typified by the sparsity of visual elements. In these compositions, the frontal spatial effect is characterised by a vertical and horizontal dimension that appears to transcend the physical boundaries of the canvas, in whole or in part. The painting extends out notionally into the surrounding space.

The method by which Vandevijvere explores the whole spectrum of abstract painting is fascinating. The paintings are the result of his stimulation of chance factors which he then allows to have full play. The visual experiments in the various parts of the canvas make for captivating twists and turns. In terms of composition, the works are sometimes like collages,
and some visual elements even make a graphic impression. As a whole, each work always has an enthralling spatial effect. We, the viewers, explore the various positions of the three-dimensional space into which the artwork has embedded itself. Bart Vandevijvere breaches the static nature of painting in an illusory manner.

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Benedict Vandaele ( translation Gregory Ball)

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Bart Vandevijvere peint le Present Inachevé

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Le jazz et la musique classique contemporaine donnent au studio de l'artiste Bart Vandevijvere une aura qui lui est propre. Une guitare basse s'appuie sur un amplificateur ; pendant un instant, je m'imagine être dans la salle de répétition d'un musicien. En aucun cas, l’artiste n’a l'intention de traduire de manière plastique une performance musicale sur la toile. C'est l'attitude que le musicien adopte lors de la composition qui est beaucoup plus intéressante pour son processus créatif : il s'agit d'obtenir un flux artistique pour arriver à un son émouvant, une sorte d’entité musicale à plusieurs niveaux. Contrairement aux musiciens, Bart Vandevijvere utilise de nombreuses couches de peinture pour créer une œuvre d'art dynamique. Regarder et discuter de ses peintures abstraites représente une expérience intense. Ses toiles sont comme des arènes où des éléments picturaux contrastés s'emboîtent continuellement les uns dans les autres. Present Continuous est un tableau qui caractérise son œuvre. Le titre est une référence grammaticale au présent inachevé et on reconnaît souvent la forme verbale anglaise dans l’intitulé de ses œuvres. En même temps, le nom fait allusion aux étapes solidifiées, qui suggèrent que le processus de création est toujours en cours.

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Le mécanisme, apparemment aléatoire, d'accumulation et d'élimination donne lieu à une composition vivante et constitue l'une des principales stratégies de l'artiste. Ses peintures prennent forme de manière organique sans viser un but visuel précis. L'accent est mis sur le développement de l'œuvre d'art, qui se fait par le biais d'expériences formelles variées sur la toile. Le matériau qu'il utilise pour chaque marque sur la toile est un mélange de peinture acrylique, d'eau et de médium acrylique. Vandevijvere considère que les proportions de ces ingrédients sont d'une importance capitale. Dans chaque couche de peinture, elles influencent le temps de séchage et le temps disponible pour travailler une couche dans une autre, et elles déterminent également la texture de la surface peinte. Les textures semblent opaques ou transparentes selon la composition du mélange de peinture. À mesure que le nombre de couches de peinture augmente, Vandevijvere introduit de plus en plus de relief dans son travail. Il maintient un équilibre méticuleux entre l'expérimentation et l'esthétique. Dans certaines parties de la composition, les couches de peinture humide ou sèche peuvent être partiellement ou entièrement enlevées. Certaines zones de peinture sont frottées ou trempées dans un liquide. La façon dont l'eau coule révèle que Vandevijvere tourne souvent ses toiles de telle ou telle façon. En gardant un œil concentré sur le processus, l'artiste encourage des accidents picturaux fascinants. La variété des manœuvres picturales crée également une confusion chez le spectateur, car la stratification du tableau n'est plus claire. Le point de rencontre de deux couches de peinture est toujours intéressant. Il donne naissance à une nouvelle couche invisible qui ne peut être observée qu'après que les couches qui la recouvrent aient été lavées. L'image finale, solidifiée au cours de plusieurs étapes de développement, est prodigieusement dynamisée par l’artiste.

 

La densité des tableaux varie d'une œuvre à l'autre. Une des caractéristique dans l'œuvre de Bart Vandevijvere est la relation entre, le nombre d'éléments visuels distincts, qui émanent suite à une série d'expériences visuelles, et la sensation d'espace que le spectateur expérimentera. Lorsque la composition est dominée par des motifs géométriques qui ressemblent parfois à de l'architecture, on peut observer une illusion d’optique de profondeur. Le spectateur a alors le sentiment qu'un ou plusieurs éléments visuels sont projetés dans sa direction. Cette illusion d'optique est généralement intensifiée par la présence d'une grande forme géométrique. La conception des formes et leur position influencent énormément l'effet spatial. Les contours du jeu géométrique des formes servent souvent de lignes de démarcation entre différentes structures et zones de couleur. Vandevijvere décrit ce groupe d'œuvres d'art comme des "peintures complètes". En revanche, les "peintures sobres" sont caractérisées par la rareté des éléments visuels. Dans ces compositions, l'effet spatial frontal est caractérisé par une dimension verticale et horizontale qui semble transcender, parfois partiellement, les limites physiques de la toile. Le tableau semble s’étendre dans l'espace environnant.

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La méthode par laquelle Vandevijvere explore tout le spectre de la peinture abstraite est fascinante. Les peintures sont le résultat de facteurs de hasard stimulés qu'il laisse ensuite jouer pleinement. Les expériences visuelles dans les différentes parties de la toile permettent de captiver les spectateurs. En termes de composition, les œuvres ressemblent parfois à des collages, et certains éléments visuels donnent même une impression graphique. Dans l'ensemble, chaque œuvre a toujours un effet spatial passionnant. Nous, les spectateurs, explorons les différentes positions de l'espace tridimensionnel dans lequel l'œuvre d'art s'est inséré. Bart Vandevijvere brise, de manière illusoire, la nature statique de la peinture.

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Benedict Vandaele (traduction Michèle Schoonjans)

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Bart Vandevijvere schildert de present continuous

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Jazz en eigentijdse klassieke muziek geven het atelier van beeldend kunstenaar Bart Vandevijvere een eigen aura. Een basgitaar leunt tegen een versterker, even waan ik me in de repetitieruimte van een muzikant. Geenszins beoogt de kunstenaar om een muzikale uitvoering plastisch te vertalen op het doek. Veel interessanter voor zijn creatieproces is de houding die muziekmakers aannemen tijdens het componeren: het bereiken van een artistieke flow om tot een aangrijpende toonzetting te bekomen, een gelaagde muzikale eenheid. Anders dan musici maakt Bart Vandevijvere gebruik van meerdere verflagen om een dynamisch kunstwerk te scheppen. Zijn abstracte schilderijen bekijken en bediscussiëren is een intense beleving.  De canvassen zijn als arena’s waarin tegengestelde picturale elementen voortdurend in de clinch gaan met elkaar. Het schilderij Present Continuous is exemplarisch voor zijn oeuvre. De titel verwijst naar de onvoltooid tegenwoordige tijd en niet zelden herkennen we de Engelse werkwoordsvorm in zijn titels. Tegelijkertijd alludeert de benaming op de gestolde fases die de suggestie oproepen dat het creatieproces nog steeds aan de gang is.

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Het schijnbaar willekeurig proces van opbouwen en wegnemen evoceert een levendige compositie en behoort tot een van de voornaamste strategieën van de kunstenaar. Een schilderij komt op een organische manier tot stand zonder naar een bepaald visueel doel toe te werken. De ontwikkeling van het kunstwerk staat centraal en voltrekt zich aan de hand van uiteenlopende vormelijke experimenten op het doek. Een mix van acrylverf, water en acrylmedium dient telkens als materiële basis om het linnen te beschilderen. De onderlinge verhouding tussen de bestanddelen is voor hem van kapitaal belang. Het beïnvloedt de inwerkings- en droogtijd van de verschillende verflagen en bepaalt de textuur van de verfhuid. De texturen ogen ondoorzichtig tot transparant afhankelijk van de samenstelling van het schildersmateriaal. Naargelang het aantal verflagen toeneemt, brengt Bart Vandevijvere steeds meer reliëf aan in zijn werk. Minutieus balanceert de kunstenaar tussen experiment en esthetiek. In bepaalde zones van de compositie worden de droge of natte verflagen gedeeltelijk of volledig verwijderd. Verschillende verfpartijen worden geschrobd of bevloeid met vocht. De loop van het water verklapt dat Bart Vandevijvere geregeld zijn schildersdoek kantelt. Met een geconcentreerde blik lokt de kunstenaar fascinerende picturale accidenten uit. De uiteenlopende schilderkundige acties zorgen ook voor verwarring tijdens het kijken, de stratigrafie van het schilderij is niet langer duidelijk. Interessant is de plaats waar twee verflagen samenkomen. Hier ontstaat een nieuwe onzichtbare laag die enkel na het wegwassen van bovenliggende lagen kan waargenomen worden. Op een treffende wijze slaagt de kunstenaar erin om gedurende een reeks ontwikkelingsstadia het finale gestolde beeld te dynamiseren.

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De densiteit van een schilderij varieert van werk tot werk. Karakteristiek voor het oeuvre van Bart Vandevijvere is de verhouding tussen het aantal autonome beeldelementen, ontstaan na een reeks beeldende experimenten, en het ruimtegevoel dat hierdoor wordt opgewekt bij de kijker. Wanneer de geometrische, soms architecturaal aanvoelende, motieven de compositie domineren, dan kan een optische illusie van diepte waargenomen worden. Tegelijkertijd kan de kijker het gevoel krijgen dat een of meerdere beeldelementen in zijn of haar richting wordt gekatapulteerd. Doorgaans wordt de gezichtsbegoocheling versterkt door de aanwezigheid van een grote geometrische vorm. Zowel de formatie als de positie van de vlakken in het picturale veld beïnvloeden in sterke mate de ruimtelijke werking. De contouren van het geometrische vormenspel treden veelal op als scheidingslijnen tussen diverse structuren en kleurenzones. Bart Vandevijvere beschrijft deze groep kunstwerken als volle schilderijen. De sobere schilderijen daarentegen worden getypeerd door de schaarse aanwezigheid van beeldelementen. In deze composities wordt de frontale spatiale werking gekenmerkt door een verticale en horizontale dimensie die de fysieke grenzen van het canvas, soms gedeeltelijk, lijken te overstijgen. Denkbeeldig strekt het schilderij zich uit over de ruimte.

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De methodiek waarmee Bart Vandevijvere het spectrum van de abstracte schilderkunst verkent fascineert. De schilderijen zijn het resultaat van aangewakkerde toevalsfactoren die hij optimaal tot hun recht laat komen. De visuele experimenten op de verschillende locaties van het doek zorgen voor een boeiende wending. Op compositorisch vlak lijken de werken soms op collages, sommige beeldelementen roepen zelfs een grafisch indruk op. Het geheel brengt steeds een boeiende ruimtewerking met zich mee. Als kijker verkennen we de verschillende posities van de driedimensionale ruimte waarin het kunstwerk zich heeft ingebed. Op een illusionaire manier doorbreekt Bart Vandevijvere het statisch karakter van de schilderkunst.

Benedict Vandaele

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